Sustento + Supervivencia
FECHAS DE LA EXPOSICIÓN: 16 DE OCTUBRE DE 2025 – 8 DE ENERO DE 2026
HORARIO DE LA GALERÍA: Martes de 6 a 8 p. m., sábados de 1 a 5 p. m. (excepto festivos)
GALERÍA NoMAA: 4140 Broadway (176 ST) Nueva York, Nueva York
ARTISTAS PARTICIPANTES:
Adaley Muñoz | Ana María Reyes | Chae Kihn | Darcy Rogers | Elizabeth Starčević | Felipe Galindo | Flor Khan | Francisco Alvarado-Juárez | Franck de las Mercedes | Gabriel Castillo | Gal Cohen | Glenn Liberman | J. Gregorio Coutinho | Jeff Elliott | Jerise Fogel | Jim cordero | Kaé Sato | Kathia Regalado | Kim Cabán | Linda Vigdor | Luissed Yibirin | Marcia Annenberg | Melanie Brewster | Mesoma Onyeagba | Myong Jin | Nadema Agard | Natasha Beshenkovsky | Rafaelina Tineo | Rosa Naparštek | Rosa Deler | Shu Tu | Susan Rubin | Tasha Woodson | Tom Sanford | Guillermina Grant Cooper | Yael Ben-Sión | Yuby Hernández
Elizabeth Starčević, Violencia No Violence, 2016, Lana, algodón y tela de manta, 35” x 34”
Los nazis usaban el triángulo rosa para señalar a los homosexuales, al igual que la estrella amarilla para señalar a los judíos. Este triángulo rosa se me ocurrió casi al instante cuando elegí la lana rosa. En el club nocturno Pulse de Orlando, Florida, la masacre de jóvenes hermosos, solo por ser homosexuales, me impulsó a crear un grito de "¡No a la violencia!", tanto en inglés como en español. Fue un evento impactante para mí, y necesitaba representarlo con mi tejido.
La decisión Dobbs v. Jackson Women's Health Organization, emitida por la Corte Suprema de Estados Unidos en junio de 2022, marcó un cambio radical en el derecho estadounidense al revocar Roe v. Wade (1973), el fallo histórico que protegió el derecho al aborto a nivel federal durante casi medio siglo. La opinión mayoritaria, de más de 35,000 palabras, fue escrita por el juez Samuel Alito y enmarcó la reducción de los derechos reproductivos en un lenguaje jurídico excesivamente formal que contradecía las profundas implicaciones sociales y corporales para millones de mujeres y personas que pueden quedar embarazadas. La decisión ejemplifica cómo la violencia sistémica contra las mujeres se codifica mediante mecanismos burocráticos y procesales. La superposición visual de la opinión convierte el texto legal en un espacio de confrontación y duelo. Este artículo busca criticar la esencia de la opinión, pero también destaca cómo el lenguaje de la ley, revestido de neutralidad, puede oscurecer las dinámicas de poder profundamente marcadas por el género que impone.
¿Qué ha forjado la historia del excepcionalismo humano? Hago pinturas que responden a esta narrativa de larga data. Una historia diferente, contada recientemente a través de la investigación científica (y en relatos antiguos y culturas indígenas aún existentes), es la de las complejas inteligencias y vidas sociales de elefantes, delfines, cuervos, abejas e innumerables especies, así como de hongos y árboles. Mis pinturas, inspiradas por estas vastas inteligencias o conciencias que rodean la Tierra, reimaginan los enredos esenciales del ser. Al pintar enredos imaginarios y escalas reimaginadas de especies dispares, descentro creencias dominantes de larga data en torno al excepcionalismo humano y un impulso humano dominante (o al menos occidental) de controlar la naturaleza. Recientemente, he comenzado a incluir una sola mujer humana en los enredos, representando lo femenino como un aspecto de la naturaleza bajo ataque y un agente potencial para asegurar un nuevo futuro más viable. Al combinar la representación, la abstracción y enfoques surrealistas, me debato entre una esperanza quizás utópica de un futuro donde los humanos y la naturaleza prosperen juntos y un posible presente distópico cercano donde, en cambio, usurpamos la naturaleza y destruimos el planeta (o se lo dejamos a la IA). El color es otra forma de jugar con estas posturas contradictorias. Trabajo principalmente sobre lienzo o papel y utilizo técnicas a base de agua (óleo, Flashe, acuarela y, a veces, un poco de textil, hilo o escultura en relieve).
Habiendo vivido mi primera infancia en un campo de refugiados, desde hace tiempo me preocupan las cuestiones de la crueldad y su origen en nosotros. Creo que reside en nuestra capacidad de negar nuestro propio dolor, miedo y vulnerabilidad, creando una sombra que repudiamos, ocultamos y proyectamos. Sin embargo, dentro de esa sombra se encuentran nuestras partes rotas que buscan la plenitud. Es imperativo en nuestro tiempo, tanto personal como políticamente, integrar nuestra sombra y desarrollar nuestras almas.
El orden de las cosas representa dos mundos, el orden de la jerarquía expresado por el puño y el texto en el respaldo de la silla, y el orden del corazón, la inocencia de la infancia vista en su mano abierta.
Texto en el respaldo de la silla:
En este, mi mundo,
Yo digo quién viene y quién va, quién cruza por dónde, quién se queda.
Yo soy el Gobernante, tú… el gobernado,
No hay ningún punto entre nosotros que sea comprensible.
Deber de lealtad con los diezmos, haré lo que quiera,
No cuentas excepto para hacerme real.
Texto en la plataforma:
Gossamer susurra cabello de ángel
Los besos y el cariño te llevan allí.
Allí a una tierra donde muchos son uno cantando y bailando
bajo el sol reuniendo todas las partes que son verdaderas
viniendo de mí y viniendo de ti.
Esta serigrafía, extraída a mano, es una versión de la mamografía de 2016 que detectó el cáncer en mi seno izquierdo. Uno de los senos que crio a mis bebés. Mi supervivencia gracias a la intervención médica.
Esta obra de arte trata sobre las consecuencias de la producción de soja, que proporciona alimento barato para la industria de la comida rápida, en una zona llamada el Cerrado. El Cerrado se encuentra en el centro de Brasil y alberga la biodiversidad más rica de todas las sabanas del mundo. Las sabanas se caracterizan por pastos silvestres, arbustos y árboles pequeños. La deforestación se ha extendido de la selva amazónica al Cerrado. Las plantas nativas tienen raíces profundas. Cuando son destruidas por el monocultivo de soja, el suelo se seca. Se interrumpe el proceso de evapotranspiración, por el cual las plantas y los árboles normalmente absorben agua subterránea y liberan la humedad a través de las hojas, creando humedad atmosférica. Hay menos precipitaciones. Esto resulta en un aumento de la temperatura media local y la susceptibilidad a la sequía. Una atmósfera más cálida crea tormentas más intensas. En esta impresión digital llamada Deslizándose en trineo por una pendiente resbaladizaLa planta de soja se dibuja en la esquina y se transforma en nubes de tormenta en el centro de la composición. La supervivencia de nuestros ecosistemas está en juego.
Esta obra de arte muestra cómo se utilizaban los instrumentos de electrochoque en el siglo XIX para castigar, silenciar y controlar a las mujeres percibidas como una amenaza para los estándares sociales establecidos por quienes ostentaban el poder. Los dispositivos más severos solían emplearse contra mujeres de color.
Los dispositivos de descarga electrónica médica son de la colección del Dr. Robert Greenspan
Esta obra proviene del último trabajo del artista, Contil, llamado así por la palabra nicaragüense para hollín, y es un poderoso testimonio de lo que queda después de la destrucción, y cómo esos restos pueden transformarse en belleza. El 18 de febrero de 2014, un incendio masivo de cinco alarmas arrasó la casa y el estudio de de las Mercedes. En cuestión de horas, años de trabajo (pinturas, diarios, estudios, bocetos) se redujeron a cenizas. Pero la memoria, como el hollín, perdura. Una década después, el artista se encontró revisando un archivo digital de lo que se había conservado: escaneos, fotografías, fragmentos de diarios y fotografía callejera que datan de principios de la década de 2000. En lugar de lamentar la pérdida una vez más, comenzó a experimentar: superponiendo, pintando y reelaborando digitalmente los restos en algo completamente nuevo. Contil Nació de este proceso: un híbrido de fotografía, collage digital, pintura abstracta y lenguaje escrito que cuenta historias tanto personales como colectivas.
Esta pieza es una obra experimental en papel hecha de fibra de algodón blanco y pulpa de lino pigmentada en amarillo, prensadas con un patrón de líneas y puntos conectados, creando una cascada de color en un entramado. La pieza aborda la compleja historia y la noción de "amarillismo" de los asiáticos en las sociedades occidentales, pero también el legado de los movimientos de solidaridad multirracial.
Para esta pieza, usé una estera para enrollar kimbap para imprimir un patrón que evoca la matriz de apoyo creada por las ancianas que he conocido. Cuando pienso en el kimbap —un plato coreano de arroz y relleno enrollado en algas—, recuerdo cómo me alimentaba este alimento laborioso pero eficiente en loncheras, viajes por carretera, celebraciones y después de funerales.
Una escena de personas pidiendo comida china para llevar.
Una versión de la famosa pintura de Manet del mismo nombre.
Estas piezas forman parte de una serie continua de obras en técnica mixta titulada "Usado/Reutilizado". Inspirada en las cualidades gráficas de los materiales de embalaje, exploro las posibilidades de usar materiales desechables (bolsas de papel, latas, cajas, tazas de café, mapas, etc.) como soporte físico para bocetos, para crear comentarios visuales sobre escenas de la vida cotidiana, superpuestos a objetos familiares que usamos, damos por sentado y desechamos constantemente. Mi intención es dar una nueva vida a estos materiales desechables y, al mismo tiempo, una nueva a mis dibujos.
Esta imagen captura una escena de la casa de mis padres en San Francisco, California, y forma parte de una serie de trabajos que representan la fotografía de interiores. A través de la exploración fotográfica de interiores, espero transmitir la idea de un retrato sin la persona, resaltando objetos, escenas y recuerdos importantes que cuentan la historia de su dueño.
Al fotografiar la casa de mis padres, exploro objetos y escenas importantes para mi propia historia familiar. Busco objetos que cuenten la historia de mi familia, por ejemplo, los libros de cocina de mi madre. Los documento para preservar recuerdos porque, al igual que las personas, los espacios pueden cambiar con el tiempo. Al observar esta serie de obras, comparto partes de mi historia familiar y también inspiro al espectador a considerar espacios y objetos de su propia vida que cuentan una historia fugaz.
Esta obra refleja mi experiencia como inmigrante venezolana, lidiando con los desafíos de la migración y el peso de la discriminación, alimentada por noticias y medios que a menudo difunden xenofobia. Esta obra confronta los sentimientos abrumadores asociados al proceso migratorio, a la vez que imagina un espacio temporal de refugio. Sin embargo, incluso dentro de este santuario, las presiones y los prejuicios externos inevitablemente se infiltran, difuminando la frontera entre protección y vulnerabilidad.
Este es un torso de tamaño natural de la espalda de una mujer, adornado con el desafiante tatuaje "MAMA", que simboliza la fuerza y la esencia protectora de la feminidad. El polisón de latón, con los numerosos apodos despectivos que se le han aplicado, se encuentra en su parte baja de la espalda como una declaración de supervivencia.
Mi obra examina las extrañas y tristes paradojas inherentes a las prácticas espirituales contemporáneas. Inspirada en las creencias ctónicas, creo nuevas mitologías de cuidado y deidades feministas que nos reconectan con el medio ambiente. Me centro en el culto a la naturaleza, incluyendo las interacciones entre plantas y humanos, y el deseo de reencontrarnos con la naturaleza o de ser absorbidos plenamente por ella.
Mi serie "Después del Tsunami" explora la supervivencia y el caos que sigue a un evento catastrófico que trastoca la vida tal como la conocemos. Los sobrevivientes deben lidiar con cómo mantenerse en esta situación tan difícil e impredecible. El agua que nos da la vida también puede arrebatárnosla. En mis pinturas, adopto el pez como símbolo de la turbulencia y el alimento que puede proporcionar. La vida puede continuar, pero ¿de qué manera? ¿Quién nos cuidará después del tsunami?
Mi autorretrato explora temas de crecimiento e introspección. A través del color y la forma, exploro la identidad personal y el continuo viaje de autodescubrimiento. Utilizo líneas y formas para expresar emociones sutiles pero poderosas, capturando el movimiento y la esencia de la feminidad. Es una exploración continua del yo y la transformación. Para plasmarse en lugares imaginarios que parecen familiares y desconocidos. Deseo crear un hogar lejos del hogar.
El diseño del cartel está inspirado en una obra de arte que hice titulada Madre Tierra y sus Hijos de los Cuatro Colores Sagrados. La obra expresa la relación con la tierra con un sentido de reverencia. Al comprender esta reverencia y cuidado por la tierra por parte de los nativos americanos, se comprende la importancia de devolverla a los habitantes originales de esta gran Isla Tortuga.
De la serie Voyagers: Can Man – Historias de resiliencia y supervivencia
En la ciudad de Nueva York, aprendemos a conectar y desconectar, a ignorar a quienes nos rodean cuando no están directamente en nuestros espacios personales y afectados. Pero la falta de cualquier impacto desigual percibido nos lleva a convertir a muchas personas a nuestro alrededor en objetos invisibles, olvidando que están ahí. Tal es el caso de una comunidad de nuestros vecinos que pasan sus días buscando nuestros materiales reciclables para su propia supervivencia. Son relativamente silenciosos y eficientes, nunca ensucian, atando bolsas tras ellos mientras se desplazan de un edificio a otro. ¿Qué sabemos de estas personas? Prácticamente nada. ¿De dónde vienen? ¿Cuáles son sus historias? ¿Por qué han recurrido a este oficio para sobrevivir?
Este es Pedro, a quien conocimos en las calles del Parque Fort Tryon en Washington Heights, donde recogía basura y botellas y latas. Pedro se describió como alguien "cuidador del medio ambiente". Originario de Puebla, en la frontera con México, emigró a Estados Unidos hace cuarenta años. Durante muchos de esos años, trabajamos en un restaurante en Nueva Jersey. Ahora cuida de un anciano y de las calles de Washington Heights.
Mensajes de grafiti que muestran resistencia y solidaridad,
como una forma de mantenerse fuerte en la lucha.
Mis fotografías se capturan digitalmente. Tomadas en color, muchas imágenes se transforman a blanco y negro y se imprimen en diversos papeles, seleccionados por su textura y tono cálido, para que coincidan con el contenido de la imagen. Las imágenes que conservan su color también lo hacen según el contenido, ya que algunas requieren color para transmitir su mensaje y mantener la integridad de su organización como obras de arte.
En medio del estrés social, político, ambiental y personal, estas imágenes de protesta pacífica muestran una posible solución: un medio de alivio catártico, un mecanismo de sustento y supervivencia. Las fotografías fueron tomadas en dos marchas de protesta de No Kings en 2025.
A veces, lo que nos marca también nos moldea. Estas vasijas comenzaron con la promesa de la perfección, moldeadas en torno a la simetría, luego interrumpidas por la construcción a mano. La paciencia y la aceptación se convirtieron en parte del proceso. La perfección fue una vez mi brújula, el logro la medida del valor. Lo que una vez marcó ahora se transforma; lo que una vez se fracturó ahora se sostiene.
La superficie blanca sugiere ideales frágiles, pero en el interior, los colores atrevidos revelan algo inesperado: el yo sin complejos. Cortes profundos Se trata de convertirse, de encontrar fuerza en los defectos y el coraje silencioso para cambiar.
Esta obra de arte muestra cómo se utilizaban los instrumentos de electrochoque en el siglo XIX para castigar, silenciar y controlar a las mujeres percibidas como una amenaza para los estándares sociales establecidos por quienes ostentaban el poder. Los dispositivos más severos solían emplearse contra mujeres de color.
Los dispositivos de descarga electrónica médica son de la colección del Dr. Robert Greenspan
Desde una perspectiva indígena, los fenómenos naturales son deidades en constante correlación con los seres humanos y otras formas de vida. Desde mi cosmovisión artística, la COVID-19 representó una ruptura del equilibrio natural. La contaminación corporativa, la destrucción de los bosques, el consumo de otras especies y la mala gestión ambiental siguen provocando plagas y virus. Puede entenderse como una purga o un castigo sobre las ciudades humanas: una tormenta en la búsqueda constante del equilibrio natural.
Esta obra es una imagen de mi madre barriendo el extenso jardín de mi tía en República Dominicana. Mi tía Maritza desarrolló este jardín a lo largo de los años como un refugio de su matrimonio, una obra de arte y un medio de supervivencia económica. Cultiva alimentos y cría gallinas en este jardín, sí, pero también cultiva plantas para venderlas a otros y ganar su propio dinero.
17th al 18th Las imágenes de naturalezas muertas de decadencia del siglo XIX pretendían recordar al espectador la mortalidad. El compost es hermoso Nos recuerda el renacimiento y el ciclo de la vida.
A lo largo de mi vida he trabajado en diversos estilos y géneros, en diferentes áreas del arte. Lo que une mi obra, ya sea una pintura, una escultura o un cuadro de sombras, es la atención al detalle, la intimidad y la admiración por la belleza de lo aparentemente cotidiano.
En los últimos años me he dedicado especialmente a la pintura de bodegones. Trato mis imágenes de melocotones, granadas, ajos y manzanas como retratos. Nos inspiran, nos traen recuerdos y nos traen amor. Cada una es hermosa por sí sola: se detienen por un instante fugaz y nos muestran la belleza de la vida cotidiana.
La pieza escultórica "Sa-gwa (사과), o Disculpas", juega con la palabra coreana para "manzana", que también significa "disculpa". Es una manzana hueca, hecha con trozos de encaje DAK, que es la corteza interior cocida y estirada de la morera de papel. Para mí, crear esta pieza fue una meditación sobre las múltiples connotaciones del trabajo, el hambre, la pérdida, la culpa, el perdón y la fuerza.
Los mapas antiguos de las ciudades muestran las cuadrículas del hábitat perdido de los humanos. Los peces betta salvajes que viven en el Gran Mekong, que atraviesa numerosos países y proporciona una rica nutrición y recursos culturales a las regiones, representan nuestras almas y las conexiones entre nosotros.
Las personas desarrollan y habitan la tierra, eligen edificios, crean ciudades y países. La superficie de la tierra cambia, pero el alma del suelo siempre permanece inalterada.
Creo que cada existencia en este mundo tiene “algo” que no puede ser capturado simplemente por la vista, y dentro de ese “algo”, hay algún tipo de elemento que puede llamarse “reminiscencia” que se ha creado a partir de la historia de todos los restos de las cosas y no desaparecería y permanecería para siempre.
Mi práctica artística está profundamente entrelazada con mi experiencia como madre que navega por el terreno emocional del conflicto. Los últimos dos años han sido especialmente dolorosos, pues he sido testigo del devastador impacto que la guerra ha tenido en familias palestinas e israelíes. La culpa por la supervivencia, la ansiedad constante por los seres queridos y la vergüenza de presenciar atrocidades cometidas en mi nombre me pesan profundamente. Estas emociones, tan complejas, encuentran expresión en mi obra.
Cada pieza que creo es un vehículo para estas complejidades. Mi arte honra la resiliencia de las madres que soportan lo insoportable, que siguen amando, sufriendo y esperando, incluso a la sombra de la guerra. A través del lenguaje visual, busco crear un espacio para el duelo y la resistencia, para la verdad y la ternura, y para la creencia radical de que otro mundo es posible.
La naturaleza a veces nos ofrece analogías y lecciones junto con las plantas para nuestro sustento. Las zanahorias silvestres y la acedera amarga a menudo se pasan por alto, ya que crecen de forma silvestre; sin embargo, ambas ofrecen nutrientes esenciales para los humanos, como vitaminas A y C, entre otros. Las zanahorias dulces (que antes se consumían confitadas como un manjar) y la acedera amarga (una verdura de hoja verde que los pobres cosechaban para su alimentación durante la Gran Depresión de la década de 1930 y a veces llamada "espinaca del pobre") crecen juntas, pero descuidamos el alimento que se les ofrece.
Polaroid tomada en la década de 1960, con los nombres de inmigrantes del sudeste asiático e indios traídos al Caribe para cultivar la tierra y las plantaciones de azúcar del Imperio Británico superpuestos. Mis tías aparecen aquí después de que Guyana se independizara de Gran Bretaña en 1966.
Flor Khan, Ruta de la Resistencia, 2025, Técnica mixta, 11” x 17”
Rutas de Resistencia Superpone la imagen de una mujer indocaribeña sobre un mapa cosido de 1896 de las fronteras coloniales de la Guayana Británica. Esta fusión de retrato y geografía traza las fronteras impuestas que moldearon la migración laboral en régimen de servidumbre, mientras que las puntadas simbolizan la conexión perdurable de la mujer con la tierra y su historia.
Esta es una foto de mi madre recogiendo orégano en el jardín de mi abuela. Puede que mi abuela ya no esté con nosotros, pero aún nos ha dejado pequeños regalos, y sus árboles de orégano son uno de ellos.
Una parte integral de mi ser es mi amor por el campo dominicano. Muchos de mis recuerdos de niña transcurrieron en los patios de amigos y familiares. Por eso, siempre me inspira hacer lo que más me gusta y documentar visualmente la vida en el campo, ya sea con mi madre recogiendo orégano o la luz brillando a través del humo en una vieja cocina de madera sobre un horno de barro. Estas imágenes son los recuerdos de una chica neoyorquina en el campo, capturados a través del lente de mi cámara.
Tomé esta foto en la campiña de República Dominicana. Retrata la típica cocina campestre y su horno de barro. Me fascinó cómo el humo jugaba con la luz.
Esta fotografía de tres pilones (o morteros y majas) simbolizan más que la preparación de alimentos; representan el sustento cultural y la herencia transmitida de generación en generación en las culturas caribeñas y latinoamericanas. El golpeteo rítmico de un pilón significa el alimento que sustenta a las familias y comunidades, encarnando una memoria colectiva de recetas y tradiciones. pilones No son sólo objetos, sino un testimonio de cómo las personas han mantenido sus tradiciones culturales a través de la comida y los objetos, hablando así tanto del sustento como de la supervivencia.
Lo que comenzó como un grito de guerra en las calles de Nueva York se convirtió en una serie de retratos en estudio que ilustran la fuerza y la resiliencia de la comunidad LGBTQ+. El último día, tomé esta foto grupal de todos los involucrados en este proyecto. Espero mostrar la fuerza de la familia elegida. Cómo este vínculo y la frase "Nos mantenemos a salvo" son lo único que separa la vida de la muerte. Cómo juntos son más fuertes. Juntos son familia. Juntos se protegen y se apoyan mutuamente. Juntos se dan sustento y sobrevivimos.
Guillermina Grant Cooper, Colado y triturado, 2025, Ensamblaje, 10” x 21” x 1.5”
Se podría sugerir una cena de pasta: se cuelan los fideos y se ralla el queso. En el caso de Sustento y supervivenciaSin embargo, estos instrumentos podrían ilustrar la terrible situación de trabajar largas horas para ganarse la vida y tener que dividir luego un magro ingreso en numerosas partes.
Mi creación artística consiste en transformar objetos desechados e indeseados en arte visual, dándoles una nueva vida para disfrutarlos en el futuro. Además, el reciclaje de objetos encontrados en arte visual, en lugar de arrojarlos al vertedero, contribuye a la protección del medio ambiente.
La imagen forma parte de STILL LIVES, un proyecto que desafía a una sociedad que tolera y perpetúa la falta de vivienda. Lo hace no retratando a personas sin hogar, sino a través de una serie de fotografías de naturaleza muerta creadas en colaboración con tres artistas que han experimentado la falta de vivienda.
Realicé la imagen, que retrata objetos y pertenencias de mis colaboradores, utilizando una cámara de cine de gran formato, luz disponible, cartón y otros materiales improvisados como telón de fondo, en los lugares donde viven actualmente. Al hacer referencia a la larga tradición de la pintura de naturalezas muertas, el proyecto invita a un diálogo crítico sobre el materialismo: cómo valoramos los objetos y a los seres humanos, y cómo un cambio en nuestra percepción podría transformar esos valores.
En el contexto de esta exposición, reconozco cuán profundamente la creatividad de mis colaboradores, visible en estas imágenes, estaba ligada a su sustento y supervivencia. En términos más generales, las imágenes subrayan cómo el arte y la colaboración son esenciales para nuestro sustento y supervivencia como comunidad, especialmente en estos tiempos precarios.
Hay un diálogo interno que me interesa cuando trabajo. Me guía y cuestiona mis intenciones. La clave está en no temer las preguntas y usarlas para aclarar la obra. Me interesa la psicología del arte y encontrar significado a través del inconsciente, permitiendo la libre asociación con el medio y aceptando todo lo que pueda surgir en mi mente.
Interpreto lo que ocurre en mi entorno inmediato y a diario a través de la creación artística. Absorbo el contenido del discurso social y la angustia. Intento reflejar a la sociedad y animar a todos a ser introspectivos en lugar de estar a la defensiva. El objetivo es desconectarme de las circunstancias de todos los acontecimientos catastróficos y encontrar lo que realmente necesito para mantener mi cordura, una especie de reducción de la esencia.
La esfera crece a medida que crece el ser humano. Como en muchas relaciones, las cosas pueden salir mal, incluso para un amigo imaginario.
Esta naturaleza muerta retrata y representa algunos de los malos hábitos que mantuvieron al artista durante su juventud.
Sobrevivió.
Autorretrato, pintado del natural durante los dos primeros meses de la pandemia. Como alguien apasionado por reducir/eliminar el consumo/contaminación por plástico, fue contradictorio e irónico para mí usar la mascarilla de tela de plástico desechable de uso limitado para la protección necesaria, sabiendo que no solo estaba perpetuando la contaminación plástica, sino que también inhalaba microfibras de plástico que se desprendían del interior de la mascarilla. Finalmente, cambié a una mascarilla de algodón reutilizable con funda interior para filtros de carbón, pero ver innumerables mascarillas desechadas por las calles, aceras y parques de la ciudad fue frustrante, al igual que el aumento general de plásticos desechables para entregas mientras nos confinamos en casa. Aún hoy, la producción/consumo innecesario y cada vez mayor de plástico es otra pandemia en la que hemos estado sumidos durante décadas, y desafortunadamente, todos participamos en su perpetuación debido a la falta de urgencia pública para abordar el problema.
En esta pintura, la abuela de la artista, Juana, aparece acunando una muñeca de la infancia de Kathia. Numerosos estudios han demostrado el valor terapéutico de regalar muñecas a personas mayores con demencia, ofreciéndoles consuelo mediante una sensación de propósito y familiaridad. Antes cuidadora, ahora ella misma sostiene un símbolo de cuidado. La imagen refleja el discreto cambio de roles que a menudo acompaña al envejecimiento, donde quienes una vez nos cuidaron comienzan a retornar, instintivamente, a la inocencia y la seguridad de etapas anteriores de la vida.
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